En la obra de Carmela Garcia (Lanzarote, 1964) la re-construcción de “la mujer” es fundamental y en ella no existe la más mínima nostalgia por la coherencia ni la totalidad, sino la ruptura de esa subjetividad y de la emergencia de lo que se ha llamado “el otro inapropiado”. Para ella, el sujeto coherente es simplemente una fantasía y la identidad personal y colectiva se reconstituye precaria y constantemente. Las mujeres de Carmela García implosionan en relaciones articuladas, diferenciadas o idealizadas, insistiendo en su mutabilidad y espontaneidad. Su trabajo se despliega como “un ejercicio que se desarrolla tanto a partir de la historia de las relaciones sociales entre las mujeres como en una ficción en curso que nos ofrece visiones oblicuas del contacto personal, las afinidades y el amor entre ellas”, explica el crítico Octavio Zaya.

A través de registros fotográficos, vídeos, dibujos e instalaciones, la artista canaria indaga en torno al género y la identidad. En una de sus últimas piezas, “Constelación” (más…)

Las primeras obras de Sarah Lucas (Londres, 1962) son collages de gran tamaño hechos con fotocopias y recortes de periódicos donde combina imágenes de la prensa del corazón con titulares sacados de los tabloides sensacionalistas. Además, integraba en ellos autorretratos que a lo largo del tiempo se irían convirtiendo en el sello de sus obras. Lucas se fotografía en posturas consideradas “masculinas”, como sentada en una escalera con las piernas abiertas, vestida con una chaqueta de cuero y gafas de sol y comiendo un plátano. La pieza “Couple Piece Au Natural” (1994) es una de sus obras más difundidas: se trata de una instalación compuesta por un colchón y dos pepinos, con dos naranjas a sus lados; como contrapartida femenina, un cubo abollado y dos melones. En “Bitch” (1995) una camiseta sirve de mantel y revestimiento a una vieja mesa de cocina, con dos frutos que quedan colgando bajo el tablero a modo de pechos femeninos. En el otro extremo, destaca la presencia de un pez ahumado en una bolsa. La obra hace alusión a los retratos sexistas y peyorativos de las mujeres. Sin embargo, lejos de constituir parodias ingeniosas, las esculturas, los ensamblajes y los collages de esta artista resuenan en la mente una vez amaina su ingenio rabelesiano inicial. El cuerpo, así, es presentado como un lugar de debate, en lugar de adoptar una postura claramente combativa.

(más…)

Sobrina del escritor Marcel Schowb, Lucy Schowb (Nantes, 1894) adoptó el nombre de Claude Cahun en honor de su tío abuelo León Cahun. En los años 20, se instaló en París con su pareja Suzanne Malherbe y comenzó a publicar artículos y relatos en el Mercure de France. Entre sus amistades, se encontraban Henri Michaux y Robert Desnos. Con André Breton y Georges Bataille participó en la fundación de la revista Contre Attaque. Su pertenencia al movimiento surrealista se ve superada  por una inspiración muy baudeleriana y por la búsqueda de un mito muy personal. No se trata de provocar, sino de una búsqueda de sí misma, en un juego permanente de espejos y de metamorfosis, entre la fascinación y la repulsión, en una obra fotográfica compuesta en su gran parte de autorretratos.
Claude Cahun dedicó su arte a dar respuesta a las consecuencias para una lesbiana judía francesa de fingir la feminidad. Gran parte de (más…)

Martha Rosler, nació en Nueva York, donde vive actualmente. Su trabajo está relacionado con la crítica sumamente politizada de la representación fotográfica, al lado de otros artistas, como Mary Nelly, Victor Burgin y Allan Sekula. En su proyecto “If You Lived Here…”, expuesto en la Dia Art Foundation de Nueva York en 1989, Rosler implicó no solamente a artistas y realizadores de cine/vídeo, sino también a arquitectos, activistas, artistas callejeros y gente sin techo, acentuando así los aspectos comunicativos y activistas. En sus performances, vídeos, obras textuales, fotografías e instalaciones, Rosler enfrenta a sus (más…)

Los años noventa fueron testigo de un interés renovado por el cuerpo como fuente artística. Un cuerpo que deja de ser considerado un objeto fetichista de la mirada masculina para convertirse en algo que debía explorarse en toda su diversidad. Como alguna de las artistas postfeministas –Judy Chicago, Louise Bourgeois, Kara Walter- Kiki Smith destacó durante aquellos años con obras que utilizaron el cuerpo como inscripción de políticas sociales, aportando una lectura de lo femenino más allá de (más…)

Judy Chicago (Judy Cohen. Chicago, 1939) es considerada la pionera del arte feminista en Estados Unidos y uno de los ejemplos de mujeres artistas que se cuestionan no sólo la relación de dominación patriarcal presente a lo largo de la historia del arte, sino que al mismo tiempo realizan un ejercicio de reflexión sobre la identidad o el cuerpo, temáticas proclamadas como específicamente feministas. Comenzó a utlizar el nombre de Judy Chicago porque así le (más…)

“En sociedades abiertamente hostiles hacia todos aquellos que no encajamos en “lo correcto”, la construcción de un lugar real o mental donde habitar con unos grados aceptables de libertad se convierte en una conquista imprescindible. Cada cual edifica su utopía particular donde puede”. Cabello/Carceller. Helena Cabello y Ana Carceller comienzan a exponer su trabajo como equipo a partir de 1993. Desde entonces compaginan su labor expositiva con la escritura, la teoría crítica y el comisariado de exposiciones. Actualmente son profesoras en la Universidad Europea de Madrid, donde viven. Como artistas, han participado recientemente en exposiciones colectivas como Global Feminisms, en el Brooklyn Museum de Nueva York (EEUU), The Screen Eye or The New Image, en el Casino Luxembourg (Luxemburgo) o Utopías Cotidianas 1en La Centrale Electrique de Bruselas.

El trabajo de Cabello & Carceller surge de la voluntad de llevar a cabo una práctica artística que trate de superar la rígida dualidad masculino/ femenino. En sus primeras obras abordaron las cuestiones de género a través de una aproximación caracterizada por la presencia del autorretrato, frente al que el espectador sentía dificultad para discernir entre lo masculino y lo femenino (Un beso 1996, Identity Game 1996 o Autorretrato como fuente, 2001, realizados en diferentes soportes, vídeo, instalación o fotografía).

(más…)

El cómic ‘Salidas de emergencia’, de Gema Arquero y Rosa Navarro, retrata por primera vez en el mundo de la viñeta en España el estilo de vida de una nueva generación de lesbianas.

Según explicó a Efe Gema Arquero, la intención de las autoras, que han reunido en la publicación setenta tiras cómicas, ha sido reflejar ’situaciones cotidianas de un grupo de mujeres lesbianas sacándole siempre el humor’ con el cómic ‘Mafalda’ de Quino como referencia estilística.

Arquero ha señalado que en la obra los lectores se encontrarán con ‘cinco estereotipos sobre lesbianismo llevados al extremo, entre los que se encuentran la mística, la insegura, la ‘cultureta’, la pasota y la ‘bollotrón’ o marimacho’ por lo que en el cómic cobran más importancia la definición de los personajes que la historia que sucede en las viñetas.

Según la coautora del primer cómic sobre lesbianas en España, el proyecto nació como una ‘broma interna’ al darse cuenta que no existía en el país ‘un cómic ‘bollo’ digno’, y ha acabado publicándose en Odeonia después del rechazo de otras empresas editoras de cómics.

Arquero se ha quejado también del hecho que ‘pese a que estadísticamente existen el mismo número de lesbianas que de gays, hay una importante falta de referentes en el mundo lésbico’.

Para la autora, esta ‘invisibilidad’ del lesbianismo, que es precisamente uno de los temas tratados en las tiras cómicas, explica en parte la buena acogida que está teniendo la publicación, que según Arquero ‘también está gustando mucho a nivel heterosexual’.

Gema Arquero, que ha anunciado a Efe que ‘Salidas de emergencia’ contará como mínimo con una continuación, ha trabajado en diversos estudios gráficos y agencias de publicidad, mientras que Rosa Navarro es ilustradora profesional y ha participado en publicaciones infantiles y de carácter homosexual.

The themes in Audrey Kawasaki’s work are contradictions within themselves. Her work is both innocent and erotic. Each subject is attractive yet disturbing. Audrey’s precise technical style is at once influenced by both manga comics and Art Nouveau. Her sharp graphic imagery is combined with the natural grain of the wood panels she paints on, bringing an unexpected warmth to enigmatic subject matter.The figures she paints are seductive and contain an air of melancholy. They exist in their own sensually esoteric realm, yet at the same time present a sense of accessibility that draws the observer to them. These mysterious young women captivate with the direct stare of their bedroom eyes.